Quali musicisti improvvisavano nei live anni ’70? L’arte dell’estemporaneità e le sorprese uniche sul palco

Ci sono sere in cui un concerto diventa qualcosa di più di una scaletta ben fatta. È un salto nel vuoto condiviso, come quando racconti una storia e all’improvviso ti inventi un finale diverso. Negli anni ’70 questa sensazione era quasi una regola non scritta: band e cantautori usavano l’improvvisazione per allungare, trasformare e persino ribaltare i brani. Se ti sei mai chiesto chi osasse davvero sul palco e come facesse, sei nel posto giusto.

Da collezionista di poster d’epoca e orecchio incollato ai racconti dei circolini musicali del torinese, ho messo insieme nomi, dischi e aneddoti raccolti negli anni. Quello che segue è un viaggio tra i musicisti che dell’estemporaneità hanno fatto un’arte — con sorprese che ancora oggi lasciano il segno.

Le jam band americane: sorprese ogni sera

Se parli di improvvisazione live, i Grateful Dead sono la prima fermata. Ogni concerto era diverso: “Dark Star” e “Playing in the Band” potevano durare venti minuti o quaranta, sfilacciandosi come un filo di lana per poi ricomporsi all’ultimo. Funziona come quando in cucina assaggi e aggiusti: un pizzico di basso qua, un riff di chitarra là, e il brano cambia gusto davanti a tutti.

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Gli Allman Brothers portarono la jam nel rock del Sud. A “At Fillmore East” (1971) sentirai “Whipping Post” trasformarsi in un dialogo fittissimo tra le chitarre di Duane Allman e Dickey Betts e la sezione ritmica, con un equilibrio che sa di rischio calcolato. È una forma di conversazione musicale in cui nessuno domina a lungo e tutti ascoltano.

Santana, con “Lotus” (1974), fece della percussione un motore creatore di spazio: congas e timbales aprivano varchi per assoli ipnotici. Il risultato? Una trance controllata, figlia della Psychedelia ma capace di parlare anche a chi il rock lo voleva ballare.

Regno Unito: virtuosismo e rischio controllato

In Inghilterra l’improvvisazione aveva un’altra tinta, spesso più robusta. I Led Zeppelin ci costruirono momenti leggendari: “Dazed and Confused” diventava un labirinto di eco e arco di violino, mentre “Whole Lotta Love” si apriva a medley imprevisti, omaggi al blues e deviazioni sensuali. Non era caos: era la band che testava i propri limiti serata dopo serata.

I Pink Floyd, soprattutto a cavallo tra fine ’60 e primi ’70, esplorarono l’improvvisazione atmosferica. Brani come “Careful with That Axe, Eugene” e “Interstellar Overdrive” erano territori aperti, dove il suono cresceva come nebbia. In “Live at Pompeii” capisci quanto contasse il tempo lungo: silenzi, attese, e poi un’onda che ti travolge. Lì la tecnologia diventava complice: delay, riverberi e il gioco col Feedback acustico dilatavano lo spazio del palco.

King Crimson fu il laboratorio più inquieto: line-up mutevoli e lunghe sezioni estemporanee in cui Robert Fripp orientava la rotta con minimalismi taglienti, per poi lasciare la band scivolare in tempeste improvvise. Ascolta “USA” (1975): capirai perché il loro live era un’esperienza più che un concerto.

Italia: quando il cantautorato incontra la libertà

In Italia, l’improvvisazione non fu solo affare prog: contagiò anche il cantautorato. Nel 1979 Fabrizio De André con la PFM riscrisse i propri brani in chiave elettrica e aperta. Non erano jam infinite, ma abbastanza elastiche da far nascere ogni sera un respiro nuovo: intro allungate, assoli dosati, dinamiche che seguivano l’umore della sala. Se ti sembra poco, pensa a quante volte hai riascoltato una canzone e l’hai voluta diversa: ecco, lì accadeva davvero.

Gli Area, con Demetrio Stratos, portarono l’improvvisazione nel territorio del rischio puro. Voce-strumento, tempi dispari, innesti jazz: “Are(A)zione” (1975) è la cartolina perfetta di come si potesse stare sul bordo senza cadere. La band non “riempiva spazi”, li costruiva in tempo reale.

La PFM e il Banco del Mutuo Soccorso privilegiarono strutture complesse ma aperte, con code strumentali che lasciavano i musicisti respirare: flauto e tastiere a intrecciare motivi, sezione ritmica con piccoli spostamenti di accento. Non la jam americana senza rete, ma una libertà guidata.

Tra jazz-rock e contaminazioni: energia europea

Il confine tra rock e jazz negli anni ’70 era una porta girevole. La Mahavishnu Orchestra di John McLaughlin accendeva micce ritmiche su cui i musicisti si lanciavano a velocità vertiginosa; l’effetto, in sala, era quello di un temporale improvviso. Anche i Soft Machine e, a modo loro, i tedeschi del krautrock (Can su tutti) sperimentavano strutture elastiche, fatte di ripetizioni ipnotiche e improvvise fenditure.

Questa contaminazione non parlava a una nicchia: fece scuola ai festival e nei club. E, sì, qualche volta confondeva il pubblico. Ma come in ogni buona conversazione, il rischio di perdersi è il prezzo per scoprire qualcosa di nuovo.

Strumenti e trucchi dell’improvvisazione

Come facevano, in pratica? Con tre ingredienti chiave: ascolto, segnali e suono.

Ascolto: nelle jam efficaci, il batterista conduce senza parlare. Un colpo in più sul charleston, un rullante anticipato, ed ecco il cambio di sezione. Funziona come in bici quando prendi l’andatura dell’amico davanti a te: nessuno si ferma, ma tutti capiscono dove stai andando.

Segnali: i chitarristi usavano “cue” visivi — un cenno della testa, una rotazione di spalla — per allungare un assolo o far rientrare il cantato. Anche i tastieristi guidavano modulando accordi di passaggio, come puntine luminose sulla strada.

Suono: pedali fuzz, wah-wah, tape echo, Hammond spinti al limite, primi synth modulari. Il colore del timbro diventava parte del discorso: allungava le note, creava vortici, generava tensione e rilascio. In epoca pre-digitale, tutto era più fisico: per un buono stacco dovevi “sentire” l’aria vibrare e reagire.

Perché piaceva (e perché ci manca)

L’improvvisazione è una promessa: stasera non sarà come ieri. Negli anni ’70 questa promessa aveva anche un valore culturale — libertà creativa, comunità, fiducia. I bootleg giravano come reliquie: “c’eri anche tu a quella versione di ‘Echoes’?” Non serviva dirlo: bastava il brivido di sapere che quella, proprio quella, non sarebbe tornata.

Oggi la pratica non è scomparsa, ma spesso si nasconde dentro show più rigidi. Alcuni eredi ci sono (pensiamo alle jam band contemporanee), ma l’idea che un grande artista mainstream rischi davvero sul palco è più rara. Motivi tecnici, aspettative del pubblico, produzione: tutto pesa. Eppure, quando succede, la magia è la stessa.

Sette live per entrare nel vivo

• Grateful Dead – Europe ’72 (1972): improvvisazione melodica e corale, dal country-rock allo psichedelico.
• The Allman Brothers Band – At Fillmore East (1971): dialoghi infiniti di chitarre, dinamiche da manuale.
• Led Zeppelin – How the West Was Won (1972, uscito 2003): medley e assoli che ridisegnano i brani.
• Pink Floyd – Live at Pompeii (1972): dilatazioni temporali e atmosfera, il suono che respira.
• King Crimson – USA (1975): tensione e libertà, improvvisazioni come scosse telluriche.
• Santana – Lotus (1974): poliritmie e trance latina, la jam come rito collettivo.
• Fabrizio De André e PFM – In concerto (1979): cantautorato che si apre, arrangiamenti vivi e mobili.

Una bussola per ascoltare meglio

Quando riprendi questi live, prova un trucco: non inseguire l’assolo, ascolta la batteria. Capirai dove la band spinge e dove rallenta. Poi fai caso alle “entrate” del basso: sono le cuciture del vestito. Infine, nota quando un suono diventa protagonista — un synth che fischia, una chitarra che “parla” — e chiediti: chi ha mollato il volante e chi l’ha preso?

Negli anni ’70 l’improvvisazione era un patto tra musicisti e pubblico. Un “vediamo dove andiamo” che — come quelle sere nei circolini di provincia, con le foto sbiadite al muro e i racconti che scivolano nel dopocena — ti faceva tornare a casa con la sensazione di aver assistito a qualcosa di irripetibile. E, in fondo, è questa la ragione per cui continuiamo a cercare quei dischi e quelle storie: ci ricordano che la musica, quando respira, somiglia tanto alla vita.